The Cranberries-Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?

The cranberries

Llevaba mucho sin pasarme por aquí. No hay excusa válida para justificarme, a no ser que el rascamiento de cojones se considere un motivo razonable para no escribir. Así que decidí volver. Oficialmente, porque ya tocaba. Extraoficialmente, las amenazas de Acebes de hacerse un colgante con mi dientes si no me ponía a escribir resultaron más que convincentes. Decidí hablar de The Cranberries, aun a riesgo de que en cuanto oiga el track de adelanto Waka me califique como “gay”, “chichi insignificante” y otros apelativos cariñosos.

El disco que traigo traducido sería algo así como “Todo el mundo lo hace. ¿Por qué nosotros no podemos?” No me detendré mucho en la biografía del grupo, solo decir que el disco fue un fiasco a nivel de ventas al salir. Sin embargo, el grupo fue de gira a Estados Unidos (The Cranberries procede de Irlanda)  teloneando a Suede y a The Matt Johnson. Allí, contra todo pronóstico,  triunfaron. El disco se vendió bien y el grupo se hizo muy popular, lo cual les permitió sacar varios discos más. Actualmente el grupo se encuentra parado (forma eufemística de decir que se han ido a la mierda).

La primera vez que lo oí fue una de esas fatídicas noches en las que vas en coche, sin pilas en el mp3 y alguien dice la terrible frase “pon la Kiss FM.” Sólo que esta vez la canción que sonó me flipó, especialmente por la voz de la cantante. Como las leyes no escritas de la radio son así, ningún maldito locutor se dignó a decir el nombre. Para mi suerte y a la vez desgracia, semanas después alguien volvió a decir la temida frase. Y pusieron la Kiss FM.  Y como en esa cadena no hacen más que repetir las mismas canciones constantemente, volvió a sonar, y esta vez un locutor dijo el título. Durante un momento creí en Dios. Después empezó a sonar El canto del loco y me reconcilié con el ateísmo más escéptico.

Sin más historias, el vídeo de la canción:

No voy a pararme a hacer una comentario acerca de cada canción. En realidad, dada la similitud de temas entre ellas no podría. Mejor una visión global. A nivel de temática, sobre el rechazo, la soledad la tristeza y el sufrimiento que va unido al amor . Temática adolescente, vaya. Escrito queda algo emo, pero lo cierto es que el disco suena muy bien. De melodías dulces y llenas de ternura, no llegan a destacar los defectos que tras el siguiente disco (Need to argue, el más conocido y aclamado del grupo) se fueron haciendo más evidentes, principalmente la sobreexplotación de la voz de Dolores O’Riordan, mientras que queda patente todo lo bueno del grupo. A título personal destacaría Dreams, Linger (ambas opuestas en temática), Pretty, Not Sorry , o la canción que da inicio al disco, I Still Do.

TRACKLIST (entre paréntesis quien compone)

1. “I Still Do” (Hogan/O’Riordan) – 3:16
2. “Dreams” (Hogan/O’Riordan) – 4:32
3. “Sunday” (Hogan/O’Riordan) – 3:30
4. “Pretty” (Hogan/O’Riordan) – 2:16
5. “Waltzing Back” (O’Riordan) – 3:37
6. “Not Sorry” (Hogan/O’Riordan) – 4:20
7. “Linger” (Hogan/O’Riordan) – 4:34
8. “Wanted” (Hogan/O’Riordan) – 2:07
9. “Still Can’t…” (Hogan/O’Riordan) – 2:07
10. “I Will Always” (O’Riordan) – 2:42
11. “How” (O’Riordan) – 2:51
12. “Put Me Down” (Hogan/O’Riordan) – 3:32

 

Lil Save Point A.K.A. El miserable gandul

 

Heaven and Hell – Vangelis

Cuando escribí aquí la otra vez hablé sobre Jean Michelle Jarre y lo que había supuesto su disco Oxygene en el mundo de la música. Hoy vengo a hablar de otro disco que es para mí igual de importante, puede que más.  El disco esta vez no lo firma un francés loco, sino un griego majara. Responde al nombre de Vangelis. Puede que a la gente que este leyendo esto no le suene el nombre, pero sí esta canción:

Dicha canción aparece en los créditos de apertura de Carros de fuego (1981). Lo que mucha gente no sabe es que dicha canción está basada en uno de los movimientos de una obra anterior de Vangelis, Heaven and hell (1975). De ese disco vengo a hablar. Se trata de uno de sus primeros trabajos, y sin lugar a dudas uno de los más importantes e influyentes de su carrera. Destacando por su complejidad, el disco abarca por igual la música clásica europea y la electrónica, que todavía  se   encontraba en una fase primitiva. Esquemáticamente fue planteado como dos largas suites, correspondiéndose cada una con una de las caras del vinilo.  La primera cara nos muestra el paraíso a través de los ojos del autor, reflejando la segunda su visión del infierno.

Portada de Heaven and hell (1975)

Heaven

Comienza a sonar la primera parte. Suena una pieza electrónica que sirve para meternos de lleno en la obra.  Descomunal y agresiva, lujosa y desmedida. Son las bacanales. Ofrece una breve pausa donde se reduce el ritmo, pero rápidamente lo recupera mientras los sonidos electrónicos se combinan a un ritmo frenético con las voces del coro.  Tras terminar el caos, suena “Symphony to the Powers B.” Esta parte se encuentra conformada por dos movimientos que en conjunto dura ocho minutos. A través del piano y de las voces del coro transcurre una pieza de gran elocuencia en la que al autor demuestra sus conocimientos sobre la música clásica del viejo continente. Termina, y comienza  el tercer movimiento. Iniciándose de una forma suave con los primeros compases del piano, la intensidad va subiendo en una pieza que culmina con una versión rudimentario del tema de Chariots of fire. Justo empieza Son long ago, so clear. Durante la carrara de Vangelis ha sido común su colaboración para difernetes proywectos con Jon Anderson, cantante del gurpo Yes. La voz de este hombre no se puede describir. Las primeras veces que le oí pensé que se trataba de una voz femenina. El hecho de que no cae en el falsete le añade una magia especial a su voz.

Hell

Segunda parte del disco, previsiblemente diferente.  Intestinal bat, primera pieza de la segunda suite, claustrofóbica y oscura, recrea las caracteríticas de una cueva profunda, como la del murciélago que le da título. Es la bienvenida al infierno.  Suena la segunda pieza, Agujas y huesos. El título ya resulta bastante gráfico de por sí. Mediante las percusiones y las melodías llenas de ritmo se recoore el infierno hasta llegar al punto culiminante de la obra, 12 O’ Clock. Dividida en dos partes, la primera caótica, dantesca, que refleja las torturas que se suceden en el infierno. La segunda parte es menos confusa, más solemne. A través de la magnífica voz de Vana Veroutis pasan los segundos de esta pieza de caracter sombrío, solemne, lleno de dolor. Esta partitura resulta uno de los grandes logros de la carrera de Vangelis. Por momentos desgarradora, supone el súmmum de la obra. Quedan sólo dos movimientos. Aries es una pieza breve, caracterizada por una melodía alegre, sobre todo teniendo en cuenta las piezas anteriores. El cierre lo pone A way, pieza suave y relajada que pone fin al recorrido por el paraíso y el infierno.

TRACKLIST

Part One:

• • “Bacchanale” – 4:40
  • “Symphony to the Powers B” (Movements 1 and 2) – 8:18
  • “Movement 3″ (from “Symphony to the Powers B”) – 4:03
  • “So Long Ago, So Clear” – 5:00

Part Two:

• • “Intestinal Bat” – 3:18
  • “Needles and Bones” – 3:22
  • “12 O’Clock” (in two parts) – 8:48
  • “Aries” – 2:05
  • “A Way” – 3:45

El cielo, el infierno y el mundo entero, está en nosotros.

(Henry F. Amiel)

Lil Save Point

Necesito oxígeno.

El padre de la electrónica.

El autor

Si al difunto James Brown se le considera el padrino del funk, no cabe duda de que honores similares habría que dispensarle a Jean Michel Jarre en los círculos de música electrónica. El disco del que hablo hoy es sin lugar a dudas su hijo predilecto, una obra maestra no sólo de la electrónica, de la cual fue su gran estandarte en los inicios del género, si no de la música contemporánea. Pocos discos tienen el honor de haber roto fronteras de la forma que lo hizo Oxygene en 1976. Fronteras a nivel geográfico (Jarre fue el primer músico occidental en realizar una gira por la China post-Mao), a nivel de ventas (más de 16 millones de ejemplares en todo el mundo), o de conciertos (3,5 millones de personas se dieron cita en uno de sus conciertos en su gira por el gigante asiático). Pero ante todo, fronteras musicales. El gran mérito de Jean Michel Jarre y su Oxygene fue a nivel instrumental. Hasta entoces, los sintetizadores eran considerados como un elemento para la experimentación de sonidos. Oxygene cambió eso. Logró que los sintetizadores fuero considerados como un instrumentos musicales, hecho que se vió reflejado con la aceptación que estos tuvieron en adelante y en su actuación en la Ópera de París. La música electrónica, y por ende el rap, tienen una deuda impagable con aquel loco francés que un día convirtió su comedor en estudio y decidió usar un elemento de experimentación para componer.

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Portada de Oxygene. El planeta Tierra representa la pureza y la vida, en contraste con la calavera, que representa la contaminación y la muerte

El disco

La portada de un disco siempre es importante, y esta vez no es ni mucho menos una excepción . En ella, la temática del disco se ve claramente reflejada. Medio planeta Tierra se ve azul, tal como es observado desde el espacio,  reflejando la armonía, la paz y la belleza se dan en la obra. Y la otra mitad del planeta, carcomido, con aspecto calavérico, simbolizando la muerte y la contaminación, elementos también presente en el disco.

Damos al play, y empieza a sonar la parte 1, resumen de la esencia de Oxygene. Con un contraste de melodías bellas con otras simplemente estremecedoras, pero todas ellas hermosas, transcurre esta parte en la cual las sensaciones dejan paso unas a otras dejando sentir la grandeza no solo de la obra, si no también del mundo, del universo que nos rodea. Comienza la parte 2. La calma reinante anteriormente se ve sucedida por la velocidad y el dinamismo. Se sucede la primera parte como una espiral descendiente en la que nunca se da la sensación de tregua , que da paso a una segunda parte menos violenta, pero igualmente dinámica. Acaba la segunda parte y sin apenas pausa empieza la parte 3. Apenas dos minutos, la parte más corta del disco, pero eso no hace que pase desapercibida. Como un llanto en la noche, la canción, llega a sobrecoger por momentos con una fuerza y coraje propios.   Silencio durante unos segundos.  Ese mismo silencio acto seguido da paso al viento , y éste a su vez a la parte 4, quizás la canción más famosa de Jarre. Melodiosa, suave y de gran encanto, transcurre relajadamente, pero ello no quita la sensación de constancia que logra transmitir. Y, sin apenas pausa, la parte 5. La armonía y la paz se dan encuentro en una canción sumamente relajante, que transcurre en completa armonía, como si  de un niño pequeño dormido se tratase, hasta dar paso a su segunda mitad,  poco a poco, de forma muy leve, como quien tiene miedo de despertar al niño dormido. De manera terriblemente melodiosa transcurre esta segunda parte, finalmente dando paso, entre el sonido del viento y el de las aves, a la parte 6 . Melodiosa al igual que la parte anterior, pero con mucha más fuerza, como la de una ola antes de romper contra las rocas. Y como éstas, cuando mayor fuerza adquiere, acaba por apagarse. Ya sólo queda el viento y las aves, que pronto dejan de escucharse, dando paso al silencio.

Una vez leí en alusión a este mismo disco que se necesita a la música como se necesita el aire. Es una gran verdad. El aire pentra por nuestras vías respiratorias y lleva el oxígeno a todos los rincones del cuerpo. La música penetra por nuestros oídos y lleva la paz a todos los rincones del alma.

Todo disco tiene su enlace…y Oxygene no iba a ser menos:

Tracklist:

• Oxygene part 1 (7:40)
• Oxygene part 2 (8:09)
• Oxygene part 3 (2:55)
• Oxygene part 4 (4:15)
• Oxygene part 5 (10:24)
• Oxygene part 6 (6:21)

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Lil’ Save Point.